MEME, algunas de mis escenas favoritas

Recojo el testigo de Ricardo de Esculpiendo en el tiempo para seguir con el juego y dejaros mi MEME particular (si lo hago en otro momento seguro que habría sido otro, pero es muy difícil elegir…jeje). Espero que os guste:

ESCENA MÁS DIVERTIDA

Annie Hall de Woody Allen (1977) “Amigos míos, si la vida fuese así…”. Me quedaría con Annie Hall al completo pero esta escena es de mis favoritas. La escena es puro Woody Allen con una frasecita que es la guinda del pastel para la escena más divertida de la historia del cine (o una de ellas, que no se enfade nadie).

ESCENA MÁS TRISTE

Bailar en la oscuridad de Lars Von Trier (2000). Me quedé sin aliento al ver la última escena de esta, para mi, obra maestra. Sugiero que no la vea nadie que no haya visto la película.

ESCENA MÁS ALEGRE

El gran Lebowski de Joel Coen (1998). Soy un enamorado de “El Nota” y su peculiar grupo de amigos. De entre todas las escenas, que hay muchas, me quedo con la mítica aparición de John Turtorro en la bolera.

ESCENA MÁS AGRIDULCE

Big Fish de Tim Burton (2003). La última escena de Big Fish (para mi de lo mejor de Burton) me deja un sabor agridulce, la he visto varias veces y no consigo decidirme por alguno de los dos extremos del sabor.

ESCENA MÁS PERTURBADORA

Fresas salvajes de Ingmar Bergman (1957). El sueño del inicio de Ingmar Bergman siempre me ha parecido una obra maestra y me ha dejado completamente perturbado. El video cuenta también con el inicio que es un buen prólogo para adentrarnos en esa genialidad de escena.

ESCENA MÁS RARA

Cabeza borradora de David Lynch (1976). He decidido copiar a Ricardo porque no creo que vuelva a ver una película tan rara como la opera prima de Lynch. Sin comentarios…

ESCENA CON MÁS SUSPENSE

La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock (1954). No seré yo quien le quiete el título al gran Hitchcock. Esta película me parece suspense en sí misma, toda una obra maestra del género. Os dejo una especie de trailer porque la escena que yo quería no la encuentro.

ESCENA MÁS TERRORÍFICA

Los otros de Alejandro Amenábar (2001). El tremendo final con un terror y un suspense increíble de las manos de uno de los mejores directores españoles. Al no encontrar las imágenes, he optado por poneros el video mítico de la ducha de Psicosis, una segunda opción.

ESCENA MÁS ROMANTICA

Euphoria de Ivan Vyrypayev (2006). Lo único que he encontrado es un trailer. Es una película cien por cien poética que me enamoró, solo puedo recomendar verla, porque no tengo imágenes para poder recomendaros alguna de las escenas románticas que tiene la película.

ESCENA CON MEJOR DIALOGO

Reservoir Dogs de Quentin Tarantino (1992). Silencio, los Reservoir están hablando. La escena sería desde el inicio hasta los míticos títulos, pero en español y en youtube esto es lo que hay.

Aquí

LA MEJOR ESCENA (SONORA) SIN DIÁLOGO

Anticristo de Lars Von Trier (2009). Os dejo con la imagen, porque el video completo de esto me imagino que esta censurado. Lo siento por los puristas, pero me encanta esta escena.

LA MEJOR ESCENA SILENTE

Metrópolis de Fritz Lang (1927). Cada escena de esta película es una joya, me quedaría con todo el film, pero puestos a elegir… ahí va esa:

ESCENA CON MEJOR PELEA

Kill Bill de Quentin Tarantino (2004). No podía ser otra, la Manba Negra contra los 88 maniacos (uno de ellos el mismo Tarantino). Espectacular!!

MEJOR ESCENA MUSICAL

Blue velvet de David Lynch. De este momento musical increíble y envelesador y de una oreja, el bueno de Lynch empezó a construir el guión de Terciopelo azul. Momento irrepetible de Isabella Rossellini

MEJOR ESCENA CON BAILE

Pulp Fiction de Quentin Tarantino (1994). Simplemente, mítico.

MEJOR ESCENA ONÍRICA

Twin Peaks de David Lynch. Ya sea en la serie o en la película de Twin Peaks: fuego camina conmigo, la habitación roja es todo un símbolo.

EL MEJOR DISCURSO

Stalker de Andrei Tarkovsky (1979). No tengo la imagen pero os dejo las palabras:

-“Cuando el hombre nace su cuerpo es débil y ligero, cuando muere es fornido y duro. Cuando un árbol crece es tierno y mimbreño, pero cuando su tronco está seco y rígido, se está muriendo. La dureza y la fuerza son satélites de la muerte.”

EL MEJOR INICIO

Amelie de Jean-Pierre Jeunet(2001). No hay nadie como Amelie. Un prólogo que marca las pautas de una nueva corriente y que pone los cimientos del propio film, acompañado de la música del genio Yann Tiersen.

LA MEJOR MUERTE

Braveheart de Mel Gibson (1995). Me sigue poniendo los pelos de punta.

EL CLIMAX MÁS CONSEGUIDO

El crepúsculo de los dioses de Billy Wilder (1950). Posiblemente la mejor escena de la historia del cine, y por supuesto, con ella se llega al máximo climax.

EL MEJOR FINAL

Con faldas y a lo loco de Billy Wilder (1955). Simplemente: nadie es perfecto.

LA MEJOR ESCENA DE LA HISTORIA DEL CINE

Persona de Ingmar Bergman (1966). Sin palabras.

Creo que se me ha visto un poco el plumero con debilidades que he elegido para mi MEME, de todas formas, espero que os haya gustado. Ahora, el reto se lo lanzo a Lala con su maravilloso blog llamado BOLDECINE.

El baúl de grandes directores

El alfabeto (1968) David Lynch

David Lynch estudió en la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Filadelfia convencido de poder explotar sus dotes artísticas en el terreno de la pintura. En el transcurso de sus estudios se da cuenta de que a la pintura le faltan dos dimensiones: el movimiento y el sonido. Esto le lleva a adquirir una cámara de 16 mm con la que en 1967 rodaría su primer film Six Men Getting Sick. En ésta juega con la pintura y el movimiento desplegando una fuerza estética de gran importancia, más al lado de la vanguardia y la experimentación. El dinero que recaudó le fue suficiente para seguir explorando con el séptimo arte.

Su segundo film llega un año más tarde con el título de El alfabeto, donde sigue experimentando en el terreno de la animación, pero también mezclando pequeños fragmentos de la realidad. El sonido cobra real importancia y nos lleva hasta una asfixia que nos transporta al epicentro del cortometraje: una pesadilla.

Estos primeros tesoros del baúl de Lynch nos revelan elementos del imaginario lynchiano que explotaría en sus futuras obras maestras, tales como Terciopelo Azul o Mulholland Drive entre otras. Uno de los hombres más personales de Hollywood sin ninguna duda.

Vincent (1982) Tim Burton

Compartió clase con John Lasseter y su imaginación y técnica le llevaron a fichar por Disney. Durante esta primera fase sus trabajos en el campo de la animación son simplemente fantásticos. Centrándonos en lo que yo denominaría “obra maestra de pequeño tamaño” Vincent se ha convertido en una pieza audiovisual de culto: la voz de Vincent Price, el homenaje a Edgar Allan Poe, la escenografía pura del cine de Burton… una joya que merece ser vista.

En este baúl cabe mencionar el mediometraje Frankenweenie (1984), una idea sobre la que Burton sigue enamorado y que volverá a dar vida de nuevo (esta vez en el terreno de la animación) en 2012.

Tin Toy (1988) John Lasseter

Cuando John Lasseter llegó con su idea de la nueva animación a Pixar revolucionó el género y dejó a Disney en un segundo plano con un gran vacío de ideas. Para llegar a la famosa Toy Story, fueron numerosos los cortometrajes de animación con los que Lasseter intentó experimentar y perfeccionar la técnica.

Además de conseguir romper la hegemonía de Disney, sus proyectos estaban impregnados de unos nuevos códigos y valores: el viento arrastraba la idea de momento musical-animación, película de hadas-animación, película plana (estéticamente)-animación. Entre todas las joyas de su baúl personal he escogido Tin Toy, un cortometraje con un sentido completo y que antecede lo que próximamente conseguiría Lasseter.

Versos para escenas emotivas

“Al inventarse el cine las nubes paradas en las fotografías comenzaron a andar”, la frase de Ramón Gómez de la Serna (autor de Cinelandia) transmite la poética que tiene implícito el séptimo arte. Escritor vanguardista, ya comentaba con compañeros de la talla de Dalí o Buñuel[1] la grandeza que podría llegar a tener el cine por todos los elementos con los que contaba y de los que se podría nutrir: pintura, literatura, fotografía, música…etc.

Fuera de la compleja poética visual (generalmente dedicado al campo estético), en pequeñas ocasiones los guionistas-directores han jugado directamente con poemas o versos para conseguir una escena con alto contenido emocional. Algunos ejemplos que os traigo son estos:

Oh capitán, mi capitán

El poema de Walt Whitman sirvió de enlace para conectar a un profesor con sus alumnos en El club de los poetas muertos. El film nos muestra la personalidad de cada personaje a golpe de versos (ocultos), y el famoso lema Carpe Diem da pie a romper con las primeras páginas de un libro que muestra la poesía como una red de complicadas combinaciones y métricas para poder entender a la misma.

“Oh capitán, mi capitán” es el verso que nos regala más de una escena emotiva a lo largo de la película, pero como no podía ser de otra manera, el cenit llega con una de las últimas escenas.

- Señor Keating, ¡Nos obligaron a firmarlo a todos!… tiene que creerlo, ¡es verdad!

- Y le creo Tod.

- ¡No fue culpa suya!

- Márchese señor Keating. ¡He dicho que se vaya señor Keating!

- ¡Oh capitán, mi capitan! (subiéndose a la mesa)

- ¡Siéntese señor Anderson! Se lo advierto por última vez.

- !Oh capitán, mi capitán! (subiéndose otro a la mesa)

(Subiéndose casi todos)

- ¡¡Siéntense todos!!

- Gracias chicos.

La lengua de las mariposas

El genio Fernando Fernán-Gómez se subía a la tarima y decía “si conseguimos que una sola generación crezca libre, tan solo una generación, ya nadie les podrá arrancar nunca la libertad, nadie les podrá robar ese tesoro”. A través de las lecciones (en muchos casos lecciones de vida) que transmitía la figura del profesor a sus alumnos las escenas emotivas fluían una tras otra y es que… las mariposas tienen lengua.

En una de las clases se oía a los alumnos recitar el poema de Machado Recuerdos infantiles siendo una de las escenas más emotivas, seguramente tiene mucha culpa el contenido de estos versos cargados de nostalgia:

Una tarde parda y fría
de invierno. Los colegiales
estudian. Monotonía
de lluvia tras los cristales.
Es la clase. En un cartel
se representa a Caín
fugitivo, y muerto Abel,
junto a una mancha carmín.
Con timbre sonoro y hueco
truena el maestro, un anciano
mal vestido, enjuto y seco,
que lleva un libro en la mano.
Y todo un coro infantil
va cantando la lección:
«mil veces ciento, cien mil;
mil veces mil, un millón».
Una tarde parda y fría
de invierno. Los colegiales
estudian. Monotonía
de la lluvia en los cristales.

La poesía y el baile sexy

La película que rinde homenaje a lo programas dobles de los cines de barrio Griendhouse, se atreve con la poesía en la segunda de sus películas dirigida por Tarantino Death Proof.

El programa de radio de Jungle Julia da juego para que se establezca la siguiente promesa: un baile sexy a cambio de que la primera persona que llegue a Arlene (Vanesa Ferlito) la llame mariposa, la invite a una copa y como colofón la recite un poema:

El bosque es un lugar demasiado oscuro y profundo,
tengo mucho que cumplir
y mucho que viajar antes de poder dormir
¿me has oido mariposa?
mucho que viajar antes de poder dormir

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[1] Son famosas las tertulias que se llevaban a cabo en el antiguo café Pombo de Madrid.

Soy director de cine, pero puedo dejar de serlo por un puñado de dólares

Nueva Zelanda, un director de cine llamado Peter Jackson conmociona al espectador con sus películas llenas de un alto contenido gore: originales y llenas de personalidad consiguen el status de “películas de culto”. Jackson se consolida como director de un cine un tanto minoritario, pero su nombre sale con fuerza a la luz y las viejas estanterías de los videoclub de barrio siempre tendrán un hueco para Mal gusto o Tu madre se ha comido a mi perro.

Tiene un ojo clínico estupendo y en un casting para Criaturas celestiales descubre a la maravillosa actriz Kate Winslet. Tanto con esta película como con Agárrame esos fantasmas se convierte en un director universal, pero que de momento guarda su identidad prácticamente intacta. Después de su salto al gran estrellato (que coincide, por supuesto, con su salto a los EEUU) con la trilogía de El señor de los anillos… “Sr. Jackson, ¿cuántos puñados de dólares vale tú alma?”. La respuesta lo llevó a hacer King Kong.

Peter Jackson en el rodaje de Bad Taste (Izquierda) y Kink Kong (Derecha)

"Veo mucho potencial, pero está desperdiciado. Toda una generación trabajando en gasolineras, sirviendo mesas, o siendo esclavos oficinistas. La publicidad nos hace desear coches y ropas, tenemos empleos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos. Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos, no hemos sufrido una gran guerra, ni una depresión. Nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida. Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine, o estrellas del rock. Pero no lo seremos, y poco a poco lo entendemos, lo que hace que estemos muy cabreados" Brad Pitt.

David Fincher podrá poner en el lanzamiento de sus próximas películas aquello de: “del director de El club de la lucha”... Esa película antisistema que llevo a Fincher a los cielos parece ser una simple anécdota. Es poseedor de un buen puñado de grandes películas y es poseedor de un buen puñado de dólares ¿Sabéis quién va ser el director encargado de hacer la versión norteamericana de la trilogía de Millenium?

“¿Por qué el Titanic no se hundiría dos o tres veces?” Esto debe de pensar James Cameron cuando va al supermercado y con el suelto que lleva en la cartera tiene que comprar un magret de pato de baja calidad. Cuando el director de cine se convierte en un analista de la audiencia y un iluminado para la misma ¿Qué sitio le queda al arte?

Dos partes de Terminador, la segunda parte de Piaraña y de Alien y ahora ha anunciado dos películas más de Avatar. Sr. Cameron, ¿qué tal se vive en Pandora? Para el resto de los mortales, podemos aprender de Woody Allen viendo Toma el dinero y corre, porque corriendo nos pasaremos la vida y corriendo no espero tropezarme con una nueva parte de un éxito cinematográfico de aquellos que hacen “cine” por un puñado de dólares.

Escultor Fritz Lang

“La estatua, inyectada de esta mirada partida, juega, con el paradigma de la inmovilidad: tiempo-carne coagulado, metáfora de la parálisis y del trabajo de la muerte” Luis Seaone.

La escultura es un elemento que acompaña la escenografía del imaginario languiano: dotada de un alto significado y esculpida con sus propias manos y por consiguiente con sus ideas.

Las únicas esculturas que se han conseguido conservar hasta la actualidad son las creadas por el maestro Lang en 1915, en éstas se puede observar dos corrientes que serán muy utilizadas a lo largo de toda su filmografía: la primera consigue provocar miedo y reverencia, y la segunda muestra lo exótico, raro o fantástico.

“Del pintor, el director de cine necesita el conocimiento de la construcción de la imagen; del escultor, el conocimiento de la línea” Fritz Lang.

En Das wandernde Bild o en español La imagen errante (1920) ya muestra en el título del film el protagonismo de la escultura. Por otro lado, en Dr. Mabuse es llamativa la decoración de la habitación del Conde Told con mascaras primitivas y objetos exóticos: es conocido que Fritz Lang poseía una gran colección de arte que conservaba de todos los viajes realizados por los diferentes países del mundo (sobretodo por Europa).

La simbología transmitida a través de la escultura en Metrópolis (1927), quizá su obra más importante, es de destacar. Son muchos los pequeños detalles escultóricos (muchos de ellos de carácter mitológico) que acompañan a las imágenes y a la historia. Por ejemplo, los hombres negros que sostienen de rodillas una concha gigante se petrifican en figuras de arcilla que representan los siete pecados capitales.

La muerte

En la primera época alemana de Fritz Lang (1919-1933), el tema de la muerte y todo lo que ésta puede contener se encuentra en un aparente vacío o como el propio director afirmó “es una terra incognita que merece ser conquistada”. Dispuesto a afrontar este tema de la mejor manera, inicia sus estudios en el campo del psicoanálisis, para él imprescindible ya que lo considera de su dominio.

La obsesión con la muerte es casi enfermiza, como ocurrirá años posteriores con el sueco Ingmar Bergman, pero a diferencia de éste último, Lang tiene sus propias reflexiones:

“El asesinato y la violencia son innatos al hombre; todos somos asesinos en potencia. El deseo de herir y el deseo de matar están fuertemente asociados a nuestra necesidad sexual, bajo cuyo signo nadie actúa razonablemente” Fritz Lang.

En Metrópolis había una escena que contenía una estatua gigante de la cabeza de la diosa Hel o Hela, que en la mitología nórdica es la diosa de los muertos. En definitiva, si Andre Tarkosky está considerado el escultor del tiempo, se podría decir que Fritz Lang es el escultor de la muerte y el escultor del cine.

¿Sabes qué Utivich? Puede que esta sea mi obra maestra

El 23 de febrero de 2009 me echaba las manos a la cabeza al mismo tiempo que Mark Boal ganaba el Oscar a Mejor guión original por “En tierra hostil”, dejando a Quentin Tarantino sentando en la butaca del Teatro Kodak. Parecía una emboscada de unos Malditos Bastardos en una noche de cine americano, sólo para americanos.

¿Por qué el guión de “Malditos Bastardos” es una obra maestra? ¿Es una casualidad que guiones originales como los de “Memento”, “Amelie” o “Match Point” no ganen este premio?

Dejando atrás esta última reflexión, diré las razones por las que yo creo que el guión de “Malditos Bastardos”, más allá de ganar un premio o no, es una verdadera obra maestra:

1. Los idiomas:

“Una cosa muy buena que tiene esta película es que cada nacionalidad que sale habla su idioma correspondiente en lugar de hacer como si todos hablaran inglés con algo de acento. Así, los alemanes hablan alemán, los franceses francés… Ese es el mundo en el que vivimos ahora, mucho más interesante para el espectador, en mi opinión” Brad Pitt.

El trato que Tarantino le da a los idiomas en el guión es de una calidad exquisita, y gracias a éste se ruedan posteriormente escenas tan brillantes como la rodada en la granja lechera al inicio del relato o más adelante en el cine de Shoshanna con los “Bastardos” haciéndose pasar por italianos.

Alemán, francés, italiano e inglés son los idiomas con los que este guión juega, quizá un texto demasiado europeo para conquistar a los críticos de Hollywood.

2. Internacionalidad:

Hablando de la internacionalidad, en parte creada por el juego de los idiomas, este guión respira una frescura con la que puede disfrutar un espectador de cualquier lugar. En una mesa redonda (entrevista) formada por Rod Taylor, Brad Pitt y Quentin Tarantino, éste último comentaba emocionado el estreno en Alemania de la película. Un fragmento de las palabras de Tarantino:

“Hay que tener en cuenta una cosa, los alemanes están acostumbrados a ver encogidos los films sobre esa guerra. Es su estado permanente, están acostumbrados a ver esas películas con sentimiento de culpa. Siempre es así. Pero en un momento dado de la película empezaron a reírse, se rieron más y siguieron riéndose…Y de pronto, aquel público se puso a pensar: Un momento, estoy viendo un film de la Segunda Guerra Mundial que por fin puedo disfrutar, por fin puedo reírme de eso” Tarantino.

3. Orden del relato:

El orden del relato pasa por ser la misma estructura que se suele utilizar en una novela. La división por capítulos permite a Tarantino saltar de una época a otra, de un lugar a otro, para contar lo que realmente interesa para el transcurso de la historia.

Si bien es cierto que los saltos en el tiempo se realizan de una forma cronológica, podemos observar como las historias relatadas no tienen en un principio mucho que ver las unas con las otras, y que a raíz del avance de esos capítulos se van uniendo de una forma muy natural.

“El set es la iglesia, él es Dios y el guión es la Biblia” Brad Pitt.

Cuando el compositor es más que un compositor de BSO

A raíz de emocionarme con escenas que cuentan con la música como elemento esencial he descubierto y a la vez admirado a aquellos que dejando atrás la partitura, ésta se muestra al servicio de un director y de una película en concreto. Hay verdaderos exploradores de una música que alcance la belleza visual de una estética particular. Cuando para realizar esta labor el propio compositor no se pone barreras nace el compositor que vas más allá de la creación de una BSO. Estos son algunos ejemplos:

EDUARD ARTEMIEV

Solaris / El Espejo / Stalker

Habitual compositor de las BSO del cine de Andrei Tarkovsky, Artemiev es un hombre con una venda en los ojos que solo es capaz de quitársela para contemplar las palabras del director ruso.

Tarkovsky siempre ha dejado en un segundo plano la música con el sentido de “orquesta”, de una melodía que pueda ser escuchada en un teatro o auditorio. Para ello, ha propuesto para cada una de las películas que ha trabajado con Artemiev la difícil tarea de realizar una música que se escapa a la tradicional melodía que consta en una BSO. Recordando la época en la que se rodó Stalker (1979), Artemiev habla de Tarkovsky en estos términos:

“Me dijo que él no necesitaba a ningún compositor, el necesitaba el oído de compositor y el dominio magistral del sonido para unirlos y hacer música de ruidos”.

“Se puede agregar una orquesta, pero que no resalte entre los ruidos”.

“Necesitaba al compositor sólo como el organizador de los ruidos”.

MARCO BELTRAMI
Los tres entierros de Melquíades Estrada

Tommy Lee Jones contrató a Beltrami, que por aquel entonces solo había realizado alguna composición para películas de terror y anuncios para la televisión, porque vio que en su currículum (entre otras cosas) había sido aprendiz del genio Ennio Morricone. A partir de ahí, los dos empezaron a intentar crear con la música algo realmente creativo: Tommy aportando su conocimiento de la historia (del guión) y Beltrami con la magia de su música.

Inspirado en el paisaje de la película (que fue lo que más le llamo la atención a Beltrami) comenzó con el proceso de creación de la BSO. De esto último hablan los dos con frases como las que os dejo a continuación (seguro que os sorprenderán):

“Marco creó una composición en la que usó instrumentos extravagantes” Tommy.

“Pensé que la música debía tener un aire natural, indígena y orgánico. Y hay muchas percusiones que usan los nativos americanos que jamás imaginaríais. Por ejemplo, tocan los pinchos de un cactus, y lo usan como instrumento de percusión” Beltrami.

“Investigó la música indígena de México y descubrió que hacían música con las espinas de los cactus” Tommy.

De todas estas frases se desprende una entrega por parte de Beltrami que como dije al inicio del artículo va más allá de un mero compositor de BSO.

KRISTIAN EIDNES ANDERSEN
Anticristo

Andersen recuerda que cuando Lars Von Trier le entregó el guión sabía que iba a ser uno de los proyectos más interesantes para emprender un gran reto. Tenía que sintetizar una película que no era de terror pero buscaba crear malestar y entrar en un terreno psicológico.

“Lo quisimos hacer con una mezcla de diseño de sonido y alguna música de fondo que se compusiera sin instrumentos de verdad, sino con instrumentos inventados por nosotros. La condición que nos impusimos fue utilizar materia orgánica, podíamos usar piedras, agua, voces…” Andersen.

“Lo que tenemos aquí es un sonido único que hice con crin de caballo sobre unas ramas finas” Andersen.

Uno de los sonidos que más fotogramas recorren es el sonido ideado a partir de juntar diferentes tipos de hojas y soplar entre ellas. Todo esto formó parte de un trabajo lento y costoso de, repitiéndome, un compositor que va más allá.

Para finalizar, os voy a dejar las palabras transcritas de Andersen sobre algo que me llamo increíblemente la atención y me parece no de ser un temerario o un loco, sino de ser un ARTISTA.

“También quisimos grabar el interior del cuerpo. Así que me tragué un micrófono. El revolvimiento que me dio, y los movimientos y sonidos que hay allí dentro, los gravé y también los sampleé. […] Tiene bastante efecto y ya es desagradable de por sí solo. Suena como la sangre corriendo y uno siente la respiración de fondo. Andersen”.

*Si ha alguien le interesa además de la película lo que he comentado sobre la realización de la BSO de la película, recomiendo totalmente su compra en la edición coleccionista.

Próximamente... A Band Apart

Filósofos, psicólogos, arquitectos, diseñadores, músicos… todos irán llegando a la nueva sección del “hombre de cristal” porque todos ellos tienen algo en común: su amor por el cine. Os dejo con el video promocional y un pequeño fragmento de lo que os podréis encontrar muy pronto…

¿Por qué se han hecho estas películas?

“Esa es otra historia” diría el barman de Irma la dulce, pero la verdad es que es la misma historia repetida dos veces. Los primeros en lanzar la primera piedra fueron aquellos que creían ver en las nuevas tecnologías la salvación de las deficiencias de un cine mudo que ya se veía antiguo (a pesar de la grandiosidad generada en su momento). Esto sucedió en el caso de Los diez mandamientos (1923 y 1956), una historia repetida en manos de un mismo director: Cecil B. DeMille.

Algo parecido ocurrió con Ben-Hur, la adaptación a la gran pantalla de la novela de Lewis Wallace en primer lugar por Fred Niblo en 1925 y en segundo lugar por William Wyler en 1956. Podemos ver distintas justificaciones (los Oscars puede ser una de ellas) pero en un primer momento dices “¿Por qué han hecho estas películas?”

América, América

En 1997 un joven Alejandro Amenábar cautivaba al público y a la crítica con una película totalmente revolucionaria del género (más si la enmarcamos dentro del cine español): Abre los ojos. La película tenía tanta fuerza que las distribuidoras podían lanzarla prácticamente a cualquier mercado del mundo, pero en EEUU las cosas no son igual, sólo se quiere lo realizado en el mismo país. Así llegó en 2001 una versión cutre del mismo texto de Amenábar con el título de Vanilla Sky dirigida por Cameron Crowe (y encabezada por la cara bonita de Tom Cruise). Recordando el legendario diálogo de Pulp Fiction… ¿Por qué una “Royale con queso” que viaja de París a EEUU hay que cambiarla de nombre por “un cuarto de libra con queso” si la hamburguesa es la misma?

Si para hacer la versión americana de Abre los ojos necesitaron cuatro años, ahora las cosas van más rápidas. Así si el director sueco Tomas Alfredson revoluciona el género de “vampiros” con Déjame entrar (2008), a los dos años sale la versión americana llamada de la misma forma pero eso sí, americana (dirigida por Matt Reeves).

¿Repetimos en América?

Michael Haneke lo tiene claro: si la película tiene que ser de EEUU para llegar a EEUU, yo dirijo la misma película que realicé hace 10 años. Esto es lo que debió de pensar cuando en 2007 repetía su exitosa Funny Games. Os dejo con un video comparando las dos versiones en uno de los diálogos mejor elaborados de la historia del cine: los dichosos huevos...

Después de ver el video… ¿La razón de hacer una fotocopia de una película es eliminar los subtítulos? Parece tratarse de una broma muy pesada, pero así es.

¿Y esto?

Hitchcock tendría mucho vértigo si levantase la cabeza para ver la versión de Psicosis de Gus Van Sant en 1998 ¿Cómo se puede hacer un remake repitiendo plano a plano la película original? Yo no encuentro una explicación.

Próxima cita: Festival de Cannes

Del 11 al 22 de mayo vamos a disfrutar del mejor festival de cine del mundo: Cannes. En la edición 64 el seleccionado para ocupar la butaca de Presidente del Jurado de largometrajes ha sido el veterano Robert de Niro. Por otra parte, la película encargada de inaugurar el festival será Midnight in Paris de Woody Allen.

Una vez conocida la lista oficial de películas que van a competir por la Palma de Oro, mis apuestas son las siguientes:

The tree of life de Terrence Malick

Terrence Malick hace películas a cuenta gotas, pero cuando cae un de esas gotas es para tenerla en cuenta. The tree of life cuenta con un reparto de lujo (Brad Pitt o Sean Penn entre otros) y una historia de las que suelen calar hondo en Hollywood: película de época que nos traslada a los años 50´ para acercarnos a la vida de una familia y sobretodo de un niño (y luego adulto) llamado Jack. La cosa no se queda aquí, ya que a través de la aparente sencillez de este relato el director pretende contarnos paralelamente la historia del universo desde sus inicios.

Veremos a ver que es lo que pasa según nos vallamos acercando al festival y la reacción del público asistente a la proyección oficial, pero creo no estar muy lejos si digo que este puede ser el año de Terrance Malick: para mí la gran favorita.

Melancholia de Lars Von Trier

El controvertido director danés Lars Von Trier estrena Melancholia dos años después de hacer lo propio con el polémico Anticristo. Trier ha descrito esta película como “un film psicológico de desastres” y como con todas sus películas seguro que dará de comer a toda la prensa que cubra el festival (nacional e internacional). No olvidemos la rueda de prensa que ofreció hace dos años con las siguientes declaraciones:

Podemos estar ante una obra maestra o ante una obra menor, pero en ambos casos estaremos hablando de una gran película de uno de los directores más particulares, únicos e influyentes que tenemos hoy en día. Por cierto, mucho ojo con Charlotte Gainsbourg, ganadora de la Palma de Oro en 2009 y que repite con el “mejor director del mundo”.

La piel que habito de Pedro Almodóvar

Pedro Almodóvar ha decido estrenar su esperada y nueva película en Cannes, por lo que toda la prensa española centrará sus ojos en ella y en la reacción que se produzca tras la proyección del film.

La piel que habito parte como una película anómala dentro del cine al que nos tiene acostumbrado el director manchego, pero sin ninguna duda que su sello seguirá presente en cada una de las escenas. El proyecto ha sido guardado con bastante secretismo por parte de todo el equipo y la noticia más sonada desde que se empezase a rodar fue el reencuentro entre Almodóvar y Banderas después de 20 años (Átame!, 1990).